Exhibitions — Argo Fine Arts

Christiane Löhr

EN Christiane Löhr’s work evolves through a direct dialogue with nature, the result of an acute relationship with both the animals and wild surroundings of her youth. She finds materials such as plant stalks and dandelion or ivy seeds to construct diminutive sculptures reminiscent of everyday objects or monumental architecture. By following the geometry native to organic matter, the artist constructs objects that stand as archetypes for an imaginary architecture—surprisingly light and fragile, yet inherently powerful and stable. Despite their often intimate format, these sculptures command space through a rigorous internal order, proving that strength resides in precision and proportion rather than scale.

Parallel to her sculptural practice, Löhr’s drawings emerge from a similarly physical gesture. By rubbing oil paint directly into the fibers of the paper with her fingers, she creates works of a tactile, vibrant nature, where the image is not merely depicted, but physically grounded in the surface. Working in graphite, the artist applies a weighted pressure that embosses the long-fiber paper, revealing the sculptural approach to the two-dimensional drawing.

For nearly three decades, Löhr’s installations, sculptures and drawings have been exhibited internationally in institutions such as the Arp Museum Bahnhof Rolandseck, the Kunsthaus Baselland, the Vangi Sculpture Garden Museum at Shizuoka, the Venice Biennale, and the Villa e Collezione Panza, Varese. The spring of 2026 will unveil a permanent installation on the rooftop terraces of the Museo di Capodimonte, Naples. Her work is represented in distinguished permanent collections worldwide, including The Morgan Museum and Library, New York; the Ursula Hauser Collection, Switzerland; and Pinakothek der Moderne, Munich, among others. The artist lives between Cologne and Prato in Tuscany.

FR Le travail de Christiane Löhr se déploie dans un dialogue avec la nature, fruit d’une grande proximité avec les animaux et l’environnement sauvage de sa jeunesse. L’artiste sélectionne des matériaux tels que des tiges de plantes, des graines de pissenlit ou de lierre pour construire de minuscules sculptures rappelant des objets du quotidien ou une architecture monumentale. En suivant la géométrie propre à la matière organique, elle édifie des objets qui s’érigent en archétypes d’une architecture imaginaire — d’une légèreté et d’une fragilité surprenantes, tout en étant intrinsèquement puissants et stables. Malgré leur format souvent intime, ces sculptures agencent l’espace dans une séquence interne ordonnée et rigoureuse, prouvant que la force réside dans la précision et la proportion plutôt que dans l’échelle.

Parallèlement à sa pratique sculpturale, les dessins de Löhr émanent d’un geste tout aussi physique. En frottant la peinture à l’huile directement dans les fibres du papier avec ses doigts, elle crée des œuvres de nature tactile et vibrante, où l’image n’est pas simplement représentée, mais physiquement ancrée dans la surface. Lorsqu’ elle travaille au graphite, l’artiste exerce une pression qui gaufre le papier à fibres longues, révélant ainsi une approche sculpturale du dessin bidimensionnel.

Depuis près de trois décennies, les installations, sculptures et dessins de Löhr sont exposés internationalement dans des institutions telles que l’Arp Museum Bahnhof de Rolandseck, Kunsthaus Baselland, le Vangi Sculpture Garden Museum à Shizuoka, la Biennale de Venise et la Villa e Collezione Panza à Varèse. Le printemps 2026 verra l’inauguration d’une installation permanente sur les toits-terrasses du Musée de Capodimonte à Naples. Son œuvre est représentée dans d’éminentes collections permanentes à travers le monde, notamment à la Morgan Library and Museum de New York, à la Collection Ursula Hauser en Suisse et à la Pinakothek der Moderne de Munich, entre autres. L’artiste vit entre Cologne et Prato, en Toscane.

Richard Learoyd

EN Richard Learoyd is known for his large-scale, exquisitely detailed photographic portraits and still-life works using a specially built room-size Camera Obscura. The subject; often a person, sometimes a still life, is in a connected room separated by a lens and lit by an intense lighting system. Light is then projected instantaneously using flash and reflected through the lens, exposing an image onto direct positive paper. Learoyd creates photographs using the most basic form of photography to render a unique image which is made without any interposing negative, transparency or digital file. His process marries old and new technology: state of the art optics and Ilfochrome direct positive photographic paper to create a unique photographic experience. “I suppose people see this way of working as an alternative process,” he says, “but I see it as a very logical way to produce images, and a good use of modern materials.”

His larger-than-life size portraits are monumental and contemporary, but share a 19th Century alchemist’s tradition. By employing this early method of photography, Learoyd not only achieves the illusion that his subjects might lift off the page, but he also mimics the effects of realist painting. His series Presences, for example, derives largely from the work of the Dutch Masters, realising the visages of stoic subjects through close-up, visceral portraits.

Learoyd was born in Nelson, Lancashire, England in 1966. In 1990, he graduated from the Glasgow School of Art with a degree in fine art photography. He has shown his work at institutions such as the International Center of Photography in New York, the San Francisco Museum of Modern Art, the National Gallery in London Amongst many others. Learoyd has also been the subject of solo exhibitions at the Getty in Los Angeles, the Victoria and Albert Museum and the Mapfre Foundation in Madrid.

FR Richard Learoyd est connu pour ses portraits photographiques et ses natures mortes de grand format, d’une précision exceptionnelle, réalisés à l’aide d’une Camera Obscura spécialement construite à l’échelle d’une pièce entière. Le sujet, le plus souvent une personne, parfois une nature morte, se trouve dans une salle attenante, séparée par un objectif et éclairée par un système d’éclairage intense. La lumière est ensuite projetée instantanément par flash et réfléchie à travers l’objectif, exposant directement l’image sur un papier positif direct. Learoyd crée ainsi des photographies en utilisant la forme la plus élémentaire du procédé photographique, produisant une image unique réalisée sans négatif, transparence ni fichier numérique intermédiaire. Son processus associe technologies anciennes et contemporaines : des optiques de pointe et du papier photographique positif direct Ilfochrome pour créer une expérience photographique singulière. « Je suppose que certains considèrent cette méthode comme un procédé alternatif, dit-il, mais je la vois comme une manière très logique de produire des images, ainsi qu’un usage pertinent des matériaux modernes. »

Ses portraits, plus grands que nature, sont à la fois monumentaux et résolument contemporains, tout en s’inscrivant dans la tradition alchimique du XIXe siècle. En employant cette technique photographique ancienne, Learoyd ne se contente pas de créer l’illusion que ses sujets pourraient se détacher de la surface de l’image ; il reproduit également les effets propres à la peinture réaliste. Sa série Presences, par exemple, s’inspire largement de l’œuvre des maîtres hollandais, révélant les visages de figures stoïques à travers des portraits rapprochés d’une intensité presque physique.

Richard Learoyd est né à Nelson, dans le Lancashire, en Angleterre, en 1966. En 1990, il est diplômé de la Glasgow School of Art en photographie artistique. Son travail a été présenté dans des institutions telles que l’International Center of Photography à New York, le San Francisco Museum of Modern Art et la National Gallery à Londres, parmi de nombreuses autres. Learoyd a également fait l’objet d’expositions personnelles au Getty à Los Angeles, au Victoria and Albert Museum à Londres ainsi qu’à la Fundación Mapfre à Madrid.

Charles Pollock

EN Charles Pollock (1902–1988) was born in Denver, Colorado, the eldest of five brothers in a family that would include Jackson Pollock. He spent his childhood across the American West before moving to Los Angeles at twenty, where he worked at the Los Angeles Times while studying at the Otis Art Institute. Early exposure to Mexican muralism — Rivera, Orozco — and the work of Max Weber and Thomas Hart Benton drew him to New York in 1926, where he enrolled at the Art Students League, becoming Benton’s assistant and close friend. For nearly two decades, his work bore the mark of Benton’s regionalist style.

Through the 1930s and early 1940s, Pollock moved fluidly between artistic and civic life: teaching in Manhattan, working for the Resettlement Administration in Washington D.C., serving as a political cartoonist for the United Automobile Workers in Detroit, and directing Mural Painting and Graphic Arts for the WPA Federal Arts Project in Michigan. He also completed major murals for Michigan State College and Board of Water and Light Dye Conditioning Plant in Lansing.

From 1942 to 1967 he taught design, printmaking, calligraphy, and typography at Michigan State University, where he founded a fine printing department. The completion of the Fairchild Auditorium mural in 1945 marked a decisive turning point: retreating to the Arizona desert, he broke with social realism and committed fully to abstraction.

What followed was a series of richly distinct bodies of work, each shaped by place and time. A sabbatical in Mexico (1955–56) produced the calligraphic Chapala series; the Black and Gray series emerged in 1959; a second sabbatical in Rome (1962–63) yielded the somber, monumental Rome series and a body of aquatints. He was Artist in Residence at the University of Pennsylvania in 1965 and 1967, and received both a Guggenheim Fellowship and a National Endowment for the Arts grant in 1967.

Retiring from teaching that same year, Pollock moved to New York, where his Bowery studio gave rise to the luminous, expansive NY series. In 1971 he settled permanently in Paris, painting the Passim, Trace, and Cantus series from his atelier on the rue du Cherche-Midi — works that confirmed his profound and masterful relationship with color. He died in Paris in 1988, at the age of eighty-five.

FR Charles Pollock (1902-1988) est né à Denver, l’aîné de cinq frères au sein d’une fratrie comprenant également Jackson Pollock. Il passe son enfance dans l’Ouest américain avant de s’installer à Los Angeles à l’âge de vingt ans, où il travaille au Los Angeles Times tout en étudiant à l’Otis Art Institute. La découverte des muralistes mexicain — Rivera, Orozco — ainsi que des oeuvres de Max Weber et de Thomas Hart Benton le conduisent à New York en 1926, où il s’inscrit à l’Art Students League, devenant l’assistant et l’ami proche de Benton. Pendant près de deux décennies, son travail porte la marque du style régionaliste de ce dernier.

Au cours des années 1930 et du début des années 1940, Pollock navigue entre vie artistique et engagement civique : enseignant à Manhattan, travaillant pour la Resettlement Administration à Washington D.C., exerçant comme caricaturiste politique pour le United Automobile Workers à Detroit, et dirigeant les départements de peinture murale et d’arts graphiques pour le WPA Federal Arts Project dans le Michigan. Il réalise également d’importantes fresques murales pour le Michigan State College ainsi que pour une station d’épuration d’eau à Lansing.

De 1942 à 1967, il enseigne le graphisme, la gravure, la calligraphie et la typographie à la Michigan State University, où il fonde un département gravure. L’achèvement de la fresque murale du Fairchild Auditorium en 1945 marque un tournant décisif : se retirant dans le désert de l’Arizona, il rompt avec le réalisme social et s’engage pleinement dans l’abstraction.

S’ensuit un ensemble d’œuvres distincts et riches sous la forme de séries, chacune façonnée par le lieu et le temps. Une année sabbatique au Mexique (1955–1956) donne naissance à la série calligraphique Chapala ; la série Black and Gray apparaît en 1959 ; une seconde année sabbatique à Rome (1962–1963) engendre la série Rome, sombre et monumentale, ainsi qu’un ensemble d’aquatintes. Il est artiste en résidence à l’University of Pennsylvania en 1965 et 1967, et reçoit à la fois une bourse Guggenheim et une subvention du National Endowment for the Arts en 1967.

Prenant sa retraite d’enseignant la même année, Pollock s’installe à New York, où, dans son atelier du Bowery naît la lumineuse et vaste série NY. En 1971, il s’établit définitivement à Paris, peignant les séries Passim, Trace et Cantus depuis son atelier de la rue du Cherche-Midi — des œuvres qui confirment sa relation profonde et magistrale à la couleur. Il meurt à Paris en 1988, à l’âge de quatre-vingt-cinq ans.

Jackson Pollock

EN Paul ‘Jackson’ Pollock (1912–1956) was born in Cody, Wyoming, the youngest of five sons in a family that moved constantly across the American Southwest. His early encounters with Native American culture left a lasting mark on his artistic imagination. Following his brother Charles, he moved to New York in 1930 to study under Thomas Hart Benton at the Art Students League, and spent the following decade absorbing the influence of the Mexican muralists before his first solo exhibition at Peggy Guggenheim’s Art of This Century gallery in 1943.

The drip paintings he developed between 1947 and 1950 made him a central figure of Abstract Expressionism. Working with canvases laid flat on the floor, he moved around and above them — pouring, flinging, and controlling the flow of paint in a process that was as much physical performance as artistic act. The results carry a ritualistic, psychologically charged intensity: definite structures that resist fixed interpretation, suspended between grandeur and silence, monumentality and intimacy. His artistic identity evolved continuously throughout his career, driven by a desire to express rather than illustrate emotion, and shaped at every turn by his psychological state. He died in 1956 at forty-four.

Pollock’s works are held in the permanent collections of the Museum of Modern Art, the Metropolitan Museum of Art, Tate, the Solomon R. Guggenheim Museum, the Whitney Museum of American Art, the Peggy Guggenheim Collection, Centre Pompidou, Fondation Beyeler, the Hirshhorn Museum, SFMOMA, the Smithsonian American Art Museum, and the National Gallery of Art, among many others.

FR Jackson Pollock (1912–1956) est né à Cody ; il était le plus jeune d’une fratrie de cinq fils au sein d’une famille qui se déplaçait constamment à travers le Sud-Ouest américain. Ses premières rencontres avec la culture amérindienne ont laissé une empreinte durable sur son imaginaire artistique. Suivant son frère Charles Pollock, il s’installe à New York in 1930 pour étudier auprès de Thomas Hart Benton à l’Art Students League, et passe la décennie suivante à assimiler l’influence des muralistes mexicains avant sa première exposition personnelle à la galerie Art of This Century de Peggy Guggenheim en 1943.

Les « drip paintings » qu’il développe entre 1947 et 1950 font de lui la figure de proue de l’expressionnisme abstrait. Travaillant sur des toiles posées à plat sur le sol, il se déplace autour et au-dessus d’elles — versant, projetant et maîtrisant le flux de la peinture dans un processus qui relève autant de la performance physique que de l’acte créateur. Les résultats portent une intensité ritualiste et psychologiquement chargée : des structures denses qui résistent à une interprétation fixe, suspendues entre fureur et silence, monumentalité et intimité. Son identité artistique évolue continuellement, animée par le désir d’exprimer plutôt que d’illustrer l’émotion. Il meurt en 1956 à l’âge de quarante-quatre ans.

Les œuvres de Pollock sont conservées dans les collections permanentes du Museum of Modern Art, du Metropolitan Museum of Art, de la Tate, du Solomon R. Guggenheim Museum, du Whitney Museum of American Art, de la Peggy Guggenheim Collection, du Centre Pompidou, de la Fondation Beyeler, du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, du San Francisco Museum of Modern Art, du Smithsonian American Art Museum et de la National Gallery of Art, parmi de nombreuses autres.

Cy Twombly

EN Cy Twombly (1928–2011) studied at the School of the Museum of Fine Arts in Boston, Washington and Lee University, and the Art Students League of New York, before enrolling at Black Mountain College in North Carolina. There, he came under the influence of Robert Rauschenberg and Franz Kline, encounters that proved formative. A fellowship grant in 1952 allowed him to travel extensively through Europe and North Africa with Rauschenberg, an experience that deepened his fascination with ancient Mediterranean civilizations — a preoccupation that would define his work for the rest of his life.

After a period in New York, Twombly relocated to Rome in 1957, making Italy his permanent home. This immersion in classical antiquity gave his art its characteristic literary and mythological depth, with references to Greek and Roman poetry — Virgil, Sappho, Keats — woven directly into his canvases. His mature style defies easy categorization. Working across painting, drawing, and sculpture, Twombly developed a visual language built on looping scrawls, gestural marks, layered washes of color, and fragmentary text.

Twombly earned enormous critical acclaim over his long career. He represented the United States at the Venice Biennale, received the Praemium Imperiale award, and saw his work enter the permanent collections of the world’s leading museums. The Cy Twombly Gallery at the Menil Collection in Houston — designed by Renzo Piano — opened in 1995 and remains a dedicated monument to his legacy. Twombly died in Rome on July 5, 2011, at the age of 83.

FR Cy Twombly (1928–2011) a étudié à la School of the Museum of Fine Arts de Boston, à la Washington and Lee University et à l’Art Students League de New York, avant de s’inscrire au Black Mountain College, en Caroline du Nord. Là, il reçoit l’influence de Robert Rauschenberg et de Franz Kline, des rencontres qui se révélèrent déterminantes. Une bourse obtenue en 1952 lui permit de voyager longuement à travers l’Europe et l’Afrique du Nord avec Rauschenberg, une expérience qui approfondit sa fascination pour les civilisations antiques méditerranéennes — une préoccupation qui allait définir son œuvre tout au long de sa vie.

Après une période à New York, Twombly s’installe à Rome en 1957, faisant de l’Italie sa résidence permanente. Cette immersion dans l’Antiquité classique confère à son art sa profondeur littéraire et mythologique caractéristique, avec des références à la poésie grecque et romaine — Virgile, Sappho, John Keats — directement tissées dans ses toiles. Son style de maturité échappe à toute catégorisation simple. Travaillant à la croisée de la peinture, du dessin et de la sculpture, Twombly développe un langage visuel fondé sur des griffonnages en boucle, des gestes tracés, des couches superposées de couleur et des fragments de texte.

Twombly reçoit une reconnaissance critique considérable tout au long de sa carrière. Il représente les États-Unis à la Biennale de Venise, reçoit le Praemium Imperiale, et voit ses œuvres intégrer les collections permanentes des plus grands musées du monde. La Cy Twombly Gallery de la Menil Collection à Houston — conçue par Renzo Piano — ouvre en 1995 et demeure un lieu consacré à son héritage. Twombly meurt à Rome le 5 juillet 2011, à l’âge de 83 ans.